Что такое метамодернизм

Метамодернизм — термин, который сформулировали в 2010 году Тимофей Вермёлен и Робин ван ден Аккер. Временны́е рамки метамодернизма ближе к началу 2000-х — к переломной, рубежной точке развития постмодерна и «концу истории». При этом его определение подвергается критике до сих пор. Разумеется, многие деятели искусства ощущают смену настроений и полярность метамодернизма в сравнении с постмодерном с его деструктивностью и иронией. Особенно те, кто застал конец модерна и переход к постмодерну, или же те, кто тонко улавливает течение искусства. Эпоха метамодернизма — это возвращение к искренности, которая не исключает иронии, индивидуальности и самовыражения, но при этом не противопоставляет себя обществу, миру. Если постмодерн скрывает уязвимые места человека за скепсисом и цинизмом, то метамодернизм — это обнажение всего, что болит. Нет попытки сбежать, оградить себя от реальности, и происходит это искренне.

Начало XXI века принесло много изменений, которые затронули всех. Это и экологические проблемы, и массовая глобализация, и всевозможное насилие, которое, казалось бы, должно исчезнуть в переходных условиях, при перестройке мироощущения. Смена эпохи происходит не за пять и не за десять лет, но всё-таки перемены неизбежны. Невозможно отрицать смену настроений, тенденций — и делать вид, что до мир до сих пор пребывает в постмодерне.

Очарование метамодерна, на мой взгляд, заключается в ещё не до конца сформулированной идее (или, скорее, понятии): его уже ощущают, но пока не могут дать точное определение. «Колебание между двумя противоположными понятиями и одновременность их использования» — одно из определений метамодернизма, один из возможных способов упростить и донести сложную и многогранную структуру наступившей эпохи. Кто знает, какое определение появится у термина «метамодернизм» через десятки лет. Возможно, он будет лишь обозначать переходное время, которое сформировало нечто совершенно иное, лишь немного отсылая ко всему, что было в прошлом.

Ещё один важный аспект метамодернизма — это стремление к цели: бесконечное, с опорой лишь на внутреннюю уверенность в её достижимости. Для меня это как пытаться догнать лучи солнца на закате и приблизиться к ним на горизонте. Всё происходит моментально: ты догоняешь эти лучи, цель почти достигнута, но внезапно они исчезают. Солнце заходит за горизонт, а ты остаёшься в темноте. А потом цикл дня повторяется, и ты вновь ловишь лучи. И неважно, что цель может быть нереальной. Важно само стремление, «бег за солнцем». Это абсолютный выход за рамки, за рациональность, каноны, традиции. Выход за пределы общепринятых понятий и возможность взгляда со стороны.

А что происходит в искусстве? Как можно охарактеризовать направления и течения, которые только зарождаются? Для меня это работы, которые сочетают детскую непосредственность, чистый, открытый взгляд на мир. Стремление что-то передать, заглянуть за грань привычного, отбросить условности, действовать правдиво, позволить себе находиться одновременно на двух противоположностях — всё это про метамодерн. А ещё это новое искусство, которое рождается на стыке и в синтезе. И чем необычнее сочетание, тем интереснее результат.

В этой статье я сначала расскажу о людях, которые сами определили свою деятельность как метамодернисткое искусство. А после покажу тех, кто менее известны, но, на мой взгляд, отражают сегодняшнюю эпоху, как бы её сейчас ни называли.

Метамодернисты

О́лафур Э́лиассон — датский художник, который творит на стыке науки и искусства. Он создаёт огромные осязаемые пространства, с которыми активно взаимодействуют зрители. У него очень много работ, касающихся экологии и глубинной связи человека и природы. Осознанность и ответственность за свои поступки так или иначе проявляются почти во всех его работах. А нетривиальный способ выразить это не только на визуальном, но и на каком-то подсознательном уровне производит особое впечатление.

Через его работы приходит осознание того, насколько человек по своей сути близок к природе и как болезненно чувствовать разрыв, происходящий из-за массового производства и смены приоритетов. Художник помогает понять, как важно участие каждого в судьбе планеты.

Олафур много путешествует по миру и запечатлевает природные явления. Его инсталляции — это «природа» (неважно, в каком виде), помещённая в искусственную среду.

Инсталляция Олафура «The Weather Project» а галерее Tate Modern. Установлено более 200 ламп с рассеянным светом, заключённых в огромный шар. Туман добавляет сюрреалистичности. Вода в разных проявлениях присутствует во всём творчестве художника

«Waterfall»

«Beautiful»

«Riverbed»

«Глубокое зеркало (жёлтое)» и «Глубокое зеркало (чёрное)»

Зритель попадает в неудобную и непривычную среду, выходит из зоны комфорта восприятия — и поэтому способен увидеть себя таким, каким прежде не хотел или не мог.

Крис Энгман создаёт инсталляции на основе фотоколлажей и изображений. Он использует необычный приём: помещает снимки на то же место, где они были сделаны, и потом вновь их фотографирует. Запечатлевая картину, которая является единственным осязаемым доказательством минувшего, Крис Энгман привносит её в нынешний момент, тем самым соединяя прошлое и настоящее. Удивительно красивые, тонкие, чистые инсталляции, идея которых не кажется слишком многозначной. Скорее наоборот: правдивой и простой.

В более поздних работах художника природа очень оцифрованная, отстранённая. Огромные фотообои с лесами, полями и облаками наклеивались на стены выставочного пространства, и сюрреалистичный эффект усиливался благодаря цифровой холодности изображения.

Проект «Containment»

Рагнар Кьяртанссон — исландский мастер перформанса, художник, музыкант. Теоретики метамодернизма причисляют Кьяртанссона к представителям нового течения. Не так много музыкантов относят себя к метамодерну, и именно поэтому музыка, как наиболее абстрактное из всех искусств, является огромным полем для исследований. Такие эксперименты-перформансы, где музыка, визуальное и поэтическое начало соединяются в единое высказывание, — своеобразный язык художника.

«Скандинавская боль и другие мифы» представляет собой три соединённые работы. Инсталляция состоит из большого деревянного сарая, одиннадцатиметровой неоновой вывески «Scandinavian Pain» и более 40 работ Эдварда Мунка, которые были размещены внутри постройки.

Ещё один перформанс — шестичасовое повторение фразы «печаль победит счастье». В этом смелом высказывании обыгрываются понятия повторения и длительности. Образ Рагнара Кьяртанссона отсылает к шансонье. Позади него оркестр непрерывно играет мелодию, постоянно модулирующую в другие тональности, — так поддерживается и переосмысливается идея повторения. Художник очень любит работать с клише, доводя его до абсурда и по-новому интерпретируя ситуацию.

Перформанс Рагнара Кьяртанссона «Печаль победит счастье»

Хо-Йон Шин — корейский художник, создающий изящные бумажные скульптуры. Тонкие полосы он вырезает вручную, а общую композицию соединяет невидимыми глазу швами. Уникальность этих скульптур — в сочетании хрупкости и изменчивости изображения. С разных ракурсов они выглядят неодинаково, а в какой-то момент даже исчезают.

На самом деле эти скульптуры сочетают в себе два противоположных вопроса, которые волнуют художника. «Мне интересны социальные явления, и я подошёл к их сути», — говорит он о послании, лежащем в основе его работ. Многослойность, которая существует одновременно с пустотой, и общество, которое на первый взгляд кажется структурным и упорядоченным, но в действительности — полое внутри.

Произведения Шина вдохновлены буддизмом и философией пустоты, а также политическими и социальными условиями корейского общества и всего мира: «…глядя на твёрдое тело, состоящее из нескольких слоёв,… мы узнаём, что система тела организована скорее опасно, чем странно, и эта система похожа на современное общество. И на пустой поверхности, и внутри оно до конца заполняется присущими нам образами. В конце концов, это история о ситуации и точке, в которой мы заполняем несуществующую поверхность… утешаем и удовлетворяем себя».

Ещё метамодернисты — на мой взгляд

Synchrodogs — дерзкий и смелый украинский арт-дуэт. В начале этого года Таня Щеглова и Роман Новен были номинированы на премию Pinchuk Art Prize, и совсем недавно отправились в приключение на вулканическом острове. Их итоговая серия работ, полная волшебных снимков природы и фантастических костюмов, называется «Мечтательный сон».

«Проект основан на наших мечтах, которые мы видели в дремоте», — пояснили они. «Во время сна с небыстрым движением глаз некоторые люди могут испытывать гипнагогические галлюцинации, которые вызваны естественным процессом засыпания. В проекте Reverie Sleep мы собрали наши мечты за последние два года и инсценировали их». Бесстрашное исследование и погружение внутрь себя, в своё подсознание, баланс на грани сна и реальности — тоже про метамодерн.

А вот описание проекта Supernatural с официального сайта Synchrodogs:

«Это бесконечное самоисследование двух художников в контексте неизвестного. Проект имеет дело с интуицией, подсознанием, природными явлениями, некоторыми человеческими сущностями, которые не могут быть объяснены наукой, стремясь отойти от того, что является обычным или приземлённым. Он стремится передать личный проницательный и возвышенный опыт художника, вызванный природной средой, стирая грань между реальным и воображаемым. Для съёмки Supernatural Synchrodogs отправилась в путешествие на 4 000 миль, чтобы заново открыть собственные возможности и пределы энергии, то, как человек может идти в темноту, идти прямо в неизведанное, полагаясь на интуицию, идти туда, куда ведёт подсознание, и чувствовать себя в безопасности в Мире неизвестного».

Маша Рева — одесская художница, творчество которой не ограничено вообще никакими рамками. Получив образование в лондонском St. Martins (как дизайнер одежды) и пройдя стажировку в Академии изящных искусств Антверпена, Маша Рева расширила поле своей деятельности — в одной специальности ей было тесно.

Её графика стала переходить на разные плоскости, масштаб варьировался от росписи традиционных украинских блюд до огромных полотен и декораций к съёмкам и показам. Контраст и поиск, неожиданные решения, создание масок из различных материалов, обращение к природе, тонкие отсылки и чистый простор — это про Машу Реву.

Фотопроект Маши Ревы и Армена Парсаданова — это серия портретов, снятых Арменом. На них — молодые люди Киева, которые покрыты спонтанными рисунками Маши. Эти изображения показывают первое впечатление художника о каждом из участников

Другой пример творчества — съёмка «By The Sea» для книги Жакема «Marseille Je T'aime»:

Тимофей Илларионов — художник с архитектурным образованием, который фиксирует в работах окружающую реальность. Он совмещает иронию и искренность, часто использует одновременно несколько плоскостей, очень тонко и контрастно работает с цветом. Что привлекает в его произведениях больше всего, так это живая линия рисунка, которая не старается быть идеальной и правильной. А ещё — очень внимательное отношение к пространству.

Помимо картин Тимофей делает татуировки, скульптуры из дерева, постоянно экспериментирует с различными материалами. При этом на любой плоскости и поверхности самобытность рисунка и формы сохраняется. Посмотреть и купить работы Тимы можно на сайте «Объединения».

«У НАС ДЛЯ ВАС СКИДОЧКИ» (холст, акрил, 30 × 40 см) — это «квест, цель которого — увернуться от всех флаеров, которые тебе предлагают»

«КУЗЬМА И КРАСНЫЙ КОНЬ vol.2» (холст, акрил, строительная эмаль, 70 × 100 см) — «классический для русской живописи сюжет, когда красный конь оказывается в водоёме. Слева — абстрактный портрет автора, который первым сделал работу на эту тему»